Homenaje Sideral

      No se nos ocurría mejor manera de comenzar el año que haciendo un pequeño homenaje a una persona que, pese a su rápida desaparición, dejó un buen legado de sus intenciones artísticas. Hablamos de Aleix Vergés (1973-2006) también conocido como Dj Sideral.

   Sideral -nombre que proviene de los títulos de la mítica película Blade Runner- fue una persona relevante en la escena nacional electrónica de los 90, pues no solo dio un empujón a la electrónica empezando desde bien abajo -sin muchos conocimientos de pinchar discos y siendo muy joven-, sino que en poco tiempo había conseguido un cierto reconocimiento internacional, llegando a pinchar en la sala The Kitchen que el grupo irlandés U2 inauguró en 1994.
     En la serie de Juanjo Saez, Arròs Covat, de la que ya hemos hablado en este blog, le hacen un pequeño homenaje (podéis verlo en la segunda temporada, capítulo 2: Arrós brut, del minuto 2:35 a 3:00), cuando Vergés se encuentra con Paquita -la abuela del protagonista- en el autobús que sube al cielo y él le da a escuchar su música, a lo que ella responde con sumo gusto: "es como un bolero moderno". Sideral, además, coincidió pinchando en la misma sala con Dj de Mierda (Marc Piñol) quien también es uno de los personajes de Arròs Covat 
      En el siguiente reportaje -aunque breve- podéis escucharlo a él mismo hablando de su faceta electrónica:

                      

       Respecto a su faceta como músico fuera del mundo dj, encontramos que Aleix Vergés fue uno de los integrantes y el compositor de los temas de Peanut Pie, grupo de electrónica pop que surge en los 90 y que graba su primer disco gracias al concurso de bandas de la revista RockDelux. 

     Posteriormente, Aleix grabó las voces para el que iba a ser su primer disco en solitario. No obstante, las pistas quedaron huérfanas cuando en 2006 se conoció la muerte del músico. Años más tarde, sus amigos y familiares decidieron homenajear el lado más pop de Vergés dando forma a la música que acompañaría a esas pistas vocales. Así, en 2009 vio la luz el disco póstumo Canciones Siderales que esconde a Aleix Vergés -Sideral- bajo el nombre de Leire.

        Queremos destacar aquí la primera canción del álbum por su función rizomática: "Las canciones tienen nombre (Nadie es mejor que nadie)". Desde el propio título, que nos hace referencia a la canción "Insurrección" de El último de la fila, Vergés crea una letra a partir de títulos de canciones como "El eterno femenino" de La Mode, "La chica de ayer" de Nacha Pop, "La estatua del jardín botánico" de Radio Futura, "Autosuficiencia" de Parálisis Permanente o "David y Claudia", "José y yo" e "Himno generacional nº 83" de Los Planetas -todas ellas recogidas en el recopilatorio Principios básicos de astronomía (2009) con una fantástica edición a cargo de Juanjo Sáez- y grupo, además, que dedica a Vergés su tema "Tendrá que haber un camino" en la que participa Enrique Morente.

    Nos quedamos con la sensación de que aprovechó muy bien los años que tuvo de vida y con la duda de qué más hubiese sido capaz de crear. Os dejamos aquí un emotivo artículo sobre la aparición de su disco póstumo y la canción mencionada para que la disfrutéis (el disco entero lo podéis escuchar en Spotify).

Velvet Goldmine: polisistemática

     Bajo la desaprobación de David Bowie, salió a la luz en 1998 Velvet Goldmine. La película -producida entre otros por Michael Stipe de R.E.M.- se basa en los personajes de Bowie e Iggy Pop para crear su propio escenario estético. Ante la irrealidad que presenta, y que podría ser interpretada más bien como falsedad, Iggy Pop decidió no hacer nada al respecto, pero no opinó lo mismo David Bowie y por ello hubo que modificar algunas partes del guión. Pese a los cambios en la banda sonora, el resultado fue de lo más llamativo debido a la formación de "dos supergrupos ex profeso, integrados por primeras figuras de la música alternativa:

• Wylde Rattz: Mark Arm de Mudhoney; Ron Asheton de The Stooges; Thurston Moore y Steve Shelley deSonic Youth; Mike Watt de Minutemen y Don Fleming de Gumball.
• The Venus In Furs: Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead; Andy Mackay de Roxy Music; Bernard Butler de Suede y Paul Kimble de Grant Lee Buffalo."

       Además, la película cuenta con el grupo londinense Placebo que interpretan, disfrazados, algunos de los temas de esa banda sonora como podéis ver en el siguiente vídeo.

       A parte de poseer un montaje de lo menos convencional, los diálogos también son de destacar, sobre todo aquellos que han sido extraídos de la novela El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde.
     Por su parte, en la película se puede ver cómo el supuesto David Bowie mata a su personaje en directo para desaparecer de la escena musical. Y en este punto confluyen David Bowie (quien sí participó en películas como El hombre que vino de las estrellas y con cameos en otras como Zoolander) y Adanowsky (hijo de Jodorowsky). Bowie, también conocido como el camaleón del rock, ha interpretado personajes diferentes a lo largo de su carrera musical, dependiendo de la época y la estética. 

Ejemplo de ello son las siguientes imágenes:

 

(Bowie en los 60)            (A finales de los 60)             (A principios de los 70)

                           

                          (De 1972 al 73)                                                                     (De 1973 a 1974)

Y un larguísimo etcétera de personajes encarnados por David Bowie que podéis leer detenidamente en este enlace. 

         

         

          Como hemos dicho, el músico y actor Adanowsky ha creado una serie de personajes (uno por disco) y los ha ido "matando", en un acto realizado exclusivamente con esta finalidad, para dar paso al siguiente. Así, nos encontramos con Adanowsky en El ídolo y Amador. Podéis ver su metafmorfosis aquí.

La violencia por la violencia

     Aun a día de hoy se nos hace amargo acudir como espectadores a una película basada en la violencia por la violencia. Ejemplo de ello es La naranja mecánica de Stanley Kubrick, -basada en el libro homónimo de Anthony Buguess- de la cual surgió el particular homenaje de Los Nikis con "La naranja no es mecánica":

      
        O Funny Games (tanto la original de 1997 como el remake de 2007) de Michael Haneke que son el resultado de esa estética de la violencia desaforada. 

     

        No obstante, no son muchos -por no decir casi ninguno- los autores de teatro que se han atrevido a llevar esta violencia a escena. Sí lo ha hecho Carlos Be con Peceras. "La obra, no apta para menores de 18 años, formula una crítica contundente contra todos aquellos que se escudan tras normas abusivas con el único objetivo de beneficiarse del prójimo." La representación, que ha recorrido Madrid y el País Vasco, ha sido representada hace unas semanas en Alicante.

     
Os dejamos en este enlace la crítica realizada por Davide Mombelli en la revista VEU con motivo de la representación de dicha obra en la Universidad de Alicante.

Avui: Arròs integral

     Arròs covat -traducido al castellano como Arroz pasado- es un cómic de Juanjo Sáez que ha sido llevado a la televisión (concretamente a TV3) en forma de serie de animación. 

El dibujante de viñetas tan irónicas como esta:                      o tan contundentes como esta otra:

                                                                                                       

nos narra la vida del diseñador treintañero Xavi Masdéu que se enfrenta a la ansiedad creada por la idea de que se le está pasando el arroz. Se trata de una historia compuesta de muchas historias en las que Xavi intenta encontrar ese amor que le traiga la normalidad a su vida de adulto. Una peculiaridad es que el nombre de todos los capítulos corresponde con una forma de arroz: integral, de sushi, a la cubana...

     En el capítulo  que os dejamos aquí (Avui: Arròs integral), perteneciente a la primera temporada, encontramos la aparición estelar del chileno Alejandro Jodorowsky -quien, entre otras muchas facetas, ha trabajado como guionista de cómics- que se presenta esporádicamente ante uno de los muchos conflictos personales de Xavi.

     

    Además, si la serie de por sí ya merecía la pena, se le ha añadido el factor musical que le da el toque final: la canción de cabecera es interpretada por los muy reconocibles Manos de topo.

(Esta foto nos remite a esta otra)

Podéis ver la primera temporada en castellano aquí.

Batman y Robin en una espiral sin fin

        Con la cantidad de escenas que nos dejan -y han dejado- los cómics de Batman, no es del todo justo que una de las más conocidas sea aquella en la que Batman abofetea a Robin. Pero así ha ocurrido y por ello han surgido un sinfín de versiones.

       Un ejemplo es esta en la que Robin evidencia al lector la famosa suposición de que la relación entre ambos va más allá del aprendiz y el maestro con ese "nos tenemos el uno al otro" y la contestación de Batman: "¡Por frases como esa es que todos piensan que somos pareja!"

         Hace pocas semanas Moderna de Pueblo se ha unido a esta moda llevándola más allá: la joven confunde a cómics DC -la eterna enfrentada a Marvel- con una marca de ropa de igual nombre. Por supuesto, Batman no podía contestarle otra cosa que no fuese: "Anda y vete pa' tu pueblo".

               Para los que no sabemos dibujar, tenemos a nuestra disposición algunas páginas en las que únicamente tenemos que introducir el diálogo que nosotros queramos. 
              No sabemos dónde estará el final de esa espiral de bofetadas en la que Batman y Robin han sido introducidos, pero de momento esta última es la que más nos ha gustado.

              Para finalizar, os dejamos el enlace a una genial escena de Big Bang Theory en la que el personaje Sheldon cuenta a su amigo un gran secreto: él es Batman; y un fragmento de la película No controles, en el que el personaje de Juan Carlitros -interpretado por Julián López- cuenta un chiste sobre Batman y Robin.

Jorge Luis Borges y la crítica de cine

       El siguiente texto fue escrito por Sebastián Peroni y ha sido sacado de la página web sololiteratura.com. Podéis leerlo completo aquí.

     

        "Oscar Wilde decía que hablar de una cosa es mucho más difícil que crear esa cosa, y que toda innovación en el arte proviene del espíritu crítico que inventa y perfecciona formas. Por suerte hay quienes cultivan la crítica como quería Wilde, como una parte esencial del espíritu creador. A esta categoría pertenece la extensa obra crítica de Jorge Luis Borges, en la que no faltan ensayos y artículos de crítica cinematográfica, la mayoría de los cuales aparecieron en la revista Sur entre los años 1931 y 1943 y han sido recogidos primero por Edgardo Cozarinsky en su libro Borges y el Cine, editorial Sur 1974, y en Borges en Sur, Emecé, 1999, otros artículos figuran en las diferentes ediciones de Discusión, y estos se pueden encontrar en las Obras Completas publicadas por Emecé.

      

       Borges decía que la mejor manera de estudiar literatura consistía en estudiar literaturas comparadas, de ahí que en medio de sus clases de anglosajón recitara versos indudablemente criollos, o que comparara la llanura de la literatura gauchesca con el mar tan presente en la literatura inglesa. En el cine la posibilidad de comparación es obviamente mayor ya que a los elementos literarios del relato se suma la posibilidad de remitirnos a la música, a la plástica, la fotografía, al teatro, y por supuesto al cine mismo. Es por eso que creemos que difícilmente exista una disciplina que pueda llamarse crítica cinematográfica pura, y que el crítico de cine debería o bien asumir que su comentario no es otra cosa que una opinión, o ampliar su universo abrevando de otras fuentes, pues no hay razones más allá de motivaciones sindicales o comerciales para considerar a la crítica cinematográfica como autónoma de la crítica de arte.

            

          Hay una importante cantidad de libros de diálogos en los que Borges, a la manera de Sócrates, buscaba indagar distintos temas. Aunque generalmente esos temas eran la literatura, Borges mismo, la metafísica, la ética, no faltan en estos libros de diálogos alusiones al cine. Es por todos conocido el gusto de Borges por el cine, que lo llevó a escribir además de los mencionados artículos, guiones cinematográficos (Los Orilleros, El Paraíso de los Creyentes, con Adolfo Bioy Casares, Obras Completas en Colaboración), también en colaboración con Bioy Casares y con el director Hugo Santiago los guiones de Invasión, 1969 y L'Autres, 1974. Por último Borges participó como perplejo protagonista de la fallida y disparatada Borges para Millones, Ricardo Wullicher, 1978.

         La siguiente  es una recopilación de los comentarios realizados por Borges sobre cine [entrad en el enlace de arriba para leerlos]. Estos comentarios están a mitad de camino entre el comentario inocente del espectador hedónico y el del crítico ilustrado que constantemente encuentra en las obras comentadas cosas que otros no han visto y que las interpreta a la luz de su sabiduría. Muchas veces Borges vuelve sobre los temas tratados por él en sus artículos de Sur y Discusión, Chaplin, Buster Keaton, Citizen Kane y especialmente sobre Von Sternberg cuyo cine, cuando retrataba el coraje en los bajos fondos, parecía encantarle. Cabe señalar que la pérdida de la visión de Borges fue gradual, pero que ya en 1955 no podía leer, no obstante continuó asistiendo al cine, quienes lo conocieron íntimamente cuentan que a veces fugazmente llegaba a ver un rostro o un objeto en particular del entorno en el que se encontraba."

Blow Up o el objetivo de la inmortalidad

       "Blow Up significa la explosión de una burbuja, aunque se entiende en la jerga fotográfica como una gran ampliación durante el revelado de una foto"

    "Blow up es el nombre del popular club y sello londinense, prestigioso por sus recopilatorios de freak beat y por dar salida a bandas como Big Boss Man. Y nuestros Blow Up! más próximos son de Alcalá de Henares." (lee el artículo entero aquí)

     Blow Up es también un café teatro de Gijón (España).

    Pero el primer Blow Up, que ocasionó esa explosión de blow-ups por todo el mundo y en todos los formatos, es la película homónima de Michelangelo Antonioni (1966), a la que en España e Hispanoamérica se le añadió el subtítulo Deseo de una mañana de verano.

          Esta obra cuya estética posee un peso importante se basa en el relato "Las babas del diablo" (haciendo click podéis leer el relato perteneciente a Las armas secretas, 1959) de Julio Cortázar.  En este cuento "Cortázar relaciona escritura, fotografía y cine para poner en juego la relación entre arte, sujeto y realidad. Esta conexión está mediada por la técnica, específicamente por aparatos como la cámara fotográfica y la máquina de escribir. Cortázar vincula fotografía y escritura a partir del concepto de traducción, construyendo un protagonista que es al mismo tiempo un observador y un letrado. Este protagonista pasa de ser un sujeto eminentemente fotográfico, a convertirse en el involuntario espectador de un filme" (continúa leyendo el artículo de la Revista chilena de literatura). Como curiosidad cabe indicar que el escritor, además, quiso aparecer en un pequeño cameo "infiltrado" en una de las fotos que Blow Up nos ofrece.

       

            El objetivo de la cámara del protagonista de ambas historias no solo inmortaliza  el arte en determinadas situaciones y lugares como estamos acostumbrados, sino que se convierte en cierta manera en el objetivo de la inmortalidad al ser el único que capta la imagen de la muerte. Cuando el fotógrafo de Blow Up -personaje inpirado a su vez en el profesional Sergio Larraín- realiza una fotografía, obtiene la imagen de un cadáver que solo puede ser visto a través de la revelación de las fotos. Esa revelación hace referencia a la ampliación a la que nos dirige el nombre de Blow Up, solo que en este caso no es una ampliación física, sino una ampliación de horizontes, un descubrimiento de conceptos relacionados con la inmortalidad: la paradoja de inmortalizar un cuerpo muerto.

          Aquí os dejo un extenso y muy recomendable análisis sobre cine, literatura y fotografía en Blow Up y Las babas del diablo.

Antonio de Felipe, la esencia del pop

       Antonio de Felipe es uno de los pintores más pop de nuestro tiempo. El artista valenciano reconoce, en el reportaje  Llums en el cavallet (en el enlace encontraréis la primera parte de tres), que sus influencias siempre han sido Velázquez y Warhol, pues por un lado ha atendido al pop americano y por otro reconoce el peso que tienen los clásicos españoles en la historia del arte. 
          Mediante la técnica del collage y siguiendo la corriente del pop-art, de Felipe reinventa el pop con sus personales pinceladas, recreando retratos, así como relacionando personajes de la cultura popular y escenas pertenecientes al cine, el deporte o la música: desde un cuadro en el que entremezcla dos portadas de discos, que ya de por sí son muy semejantes: Viva Tequila del grupo Tequila y Parallel Lines de Blondie; a otro en el que introduce a los personajes de la película infantil de Disney Buscando a Nemo en la portada del álbum Nevermind de Nirvana.

        Su última serie -que podéis disfrutar hasta el 6 de enero en Alicante- se llama LPop e incluye obras como la portada del álbum Destroyer de Kiss en la que se ha colado la pequeña Dorothy; o un anuncio de Coca-Cola protagonizado por  la más niña de las Meninas de Velázquez.




     Puede que el cuadro que más le haya dado a conocer sea su reinterpretación de una de las portadas más populares de los Beatles, en la que introduce personajes que también emplea en otros cuadros como la Pantera Rosa o la Menina con un osito de peluche.

  
     Antonio de Felipe se ha convertido en un artista que, no solo ha comprendido a la perfección la esencia del arte pop y las relaciones artísticas, sino que ha sabido llevarlo a la práctica con una gran maestría. En su página web podéis recrearos en algunas de sus obras.

Iggy Pop y Tom Waits en un café americano

         De la realidad a la ficción apenas hay un espacio milimétrico que se confunde entre las artes e incluso en nuestra vida cotidiana. Así, la película Coffee and cigarettes (2003) nos presenta una realidad ficcionalizada de la mano de diversos personajes como dos de las grandes figuras del rock -Iggy Pop y Tom Waits- que conversan, fuman y beben café.

    Iggy Pop ha sido considerado uno de los mayores innovadores del rock. Su extensa carrera ha recorrido grupos musicales como The Stooges y le ha llevado a trabajar en solitario en múltiples ocasiones. La forma de expresarse de este artista, así como su estética, ha inspirado a personajes cinematográficos como el andrógino que encarna el escocés Ewan McGregor en Velvet Goldmine (1998). Su presencia está patente igualmente en la admiración que siente el protagonista de Trainspotting (1996) -también representado por este actor- por su figura y su música.

         Por su parte, el menos mediático Tom Waits, quien siempre inspiró sus canciones rasgadas en escritores como Bukowski o algunos de la generación Beat como Jack Kerouac, coincide con Iggy Pop en haber colaborado a revolucionar el rock. Además, al igual que él ha actuado en diversas películas como la que presentamos aquí. Tom Waits ha publicado álbumes como Closing Time, que supuso su debut en 1973, o Bad as me, su última publicación en 2011. Tom Waits ha protagonizado disputas en los últimos años como cuando sugirió a Michael Jackson que, para terminar de venderse, quizá debería firmar un contrato con Pepsi y dejar de hacer música.

         De esta manera Coffee and cigarettes nos trae a dos grandes revolucionarios de la música inmersos en una conversación de café. Sin duda, el corto que ambos protagonizan es uno de los mejores que se pueden ver en este film tan variado. Además del encanto que supone asistir como espectador a situaciones como esta, la película nos presenta constantes dualidades e incluso su título nos puede llevar a confundirlo con dos canciones (Coffee and TV y Cigarettes and alcohol) de dos grandes -e históricamente enfrentadas- bandas británicas: Blur y Oasis.

      A continuación, el comentado y recomendado fragmento de esta película en versión original:

"Lars Von Trier, ¿qué será lo próximo?"

        Con la explosión de las gafas de pasta y las camisas de cuadros algunos creyeron que los denominados "modernos" se parecerían a los mods de los años 60 en cuanto a sus conocimientos musicales, cinematográficos y filosóficos. Quizá no pensaron que en el mundo de la globalización actual las modas se asientan en la sociedad durante un breve espacio de tiempo y poco -o nada- influyen sobre los gustos artísticos. Y, efectivamente, esta moda ya empieza a extinguirse tras un año o dos de vivencia entre nosotros y siguen siendo pocos los que conocen a grupos como Los Ramones (pese a haber llevado sus camisetas) o a directores como Lars Von Trier.

        En relación a lo expuesto, la fantástica Moderna de pueblo nos ofrece esta viñeta del fenómeno del "moderneo".

             

         No obstante, los referentes y/o gustos artísticos -sean "modernos" o no- no varían como las modas. Y los creadores de Muchachada Nui (antes La Hora Chanante y reconvertidos después en la serie Museo Coconut) siempre han sido conscientes de ello.

         A raíz de lo anteriormente expuesto encontramos el celébriti de Lars Von Trier. El director danés, uno de los creadores del cine Dogma, es de los que más fascinación y rechazo crea entre los espectadores, no sé si a partes iguales. Así, Joaquín Reyes interpreta al autor de obras maestras como The idiots o Dogville (podéis verlas clikando sobre los enlaces) utilizando su famosa "cámara en mano" o las directrices del nombrado "manifiesto dogma". 

        El hecho de mezclar a un director tan inusitado con el humor más absurdo y surrealista solo puede dar lugar a la genialidad, incomprensible para muchos e imprescindible para otros tantos.

        Que lo disfruten.

Midnigth in Paris o cómo regodearse en el pasado

       ¿Qué hacen pintores, escritores, toreros, fotógrafos y cineastas con Woody Allen en París? Puede parecer la fórmula para comenzar un chiste, pero hablo de una de las mejores películas de Woody Allen en sus últimos años: Midnight in Paris (2011). En ella, el director nos acerca a las distintas etapas de París desde la actualidad -con Carla Bruni haciendo de guía turístico- hasta los salones literarios del París del siglo XVIII. 
      Sin embargo, los años que quizá más entusiasmo pueden crear en el espectador son aquellos en los que los grandes genios contemporáneos se reúnen en las calles francesas, sin proponérselo pero por motivos muy semejantes:

         

            Ernest Hemingway, tras pasar una temporada en la Navarra que le enamoraría, acudió a Francia con motivo de la Segunda Guerra Mundial para luchar contra el nazismo. El escritor realizó en Europa varias de sus grandes obras como Fiesta -contextualizada en los Sanfermines de Pamplona- o Adiós a las armas -que comienza en la Italia de la Primera Guerra Mundial.

(El vídeo está en VOS)

   
    

   A quien nombra Hemingway en esta escena es -quizá menos conocido en la actualidad pero igualmente importante- Juan Belmonte, torero español que cambió y revolucionó las técnicas taurinas. Él, aun sin estudios, fue un gran conocedor del arte y se codeó con la Generación del 98 y la del 27 por lo que algunos de estos poetas, como Gerardo Diego, le dedicarían poesías alabando su estilo y firmeza.

   
  
      
        También es Hemingway quien lleva al protagonista de Midnigth in Paris a la casa de Pablo Picasso en la que se encuentra trabajando. Nuestro célebre pintor -cuya obra más conocida y reconocida es el Guernika- siempre vivió entre Barcelona y París, por lo que no es de extrañar que al marchar de España eligiese Francia como segundo hogar hasta que falleció.

(El vídeo está en italiano y en francés, 

no ha sido posible encontrarlo en castellano ni en VOS.)

      Woody Allen también nos sitúa en un café junto a Buñuel, Dalí y Man Ray.
       Luis Buñuel, tras su paso por la residencia de estudiantes de Madrid en la que entabló amistad con Federico García Lorca y Salvador Dalí,  salió de España hacia Francia antes de tener que exiliarse definitivamente. En París realizó sus primeras películas surrealistas (Un chien andalou, L'âge d'or...), tendencia que más tarde abandonaría. Allí residió hasta que, tras el asesinato de Lorca y el estallido de la Guerra Civil, decidió marchar lejos de Europa.

      Salvador Dalí, el máximo exponente del surrealismo pictórico español, es quizá el único que en vida no acude a Francia como refugiado político, sino por la amistad que tenía con Buñuel, con quien colaboró en la realización de las dos películas mencionadas. Sin embargo, la amistad entre ambos se vió totalmente truncada cuando Dalí -aun se desconoce si lo hizo por provocar, por ideología o por desconocimiento- apoyó y felicitó a Franco en su golpe de Estado. En la película aparece inmerso en un diálogo que muestra la excentricidad de su persona.   

       
        Estos dos artistas coinciden en París con el fotógrafo Man Ray, quien fundó e impulsó los movimientos surrealistas y dadaístas en sus Estados Unidos natales. Mediante la frase "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte" definió su manera de ver y moldear la realidad que no siempre fue comprendida y por la que provocó múltiples escándalos. 

     

          De esta manera, Woody Allen nos ofrece un recorrido por las calles y la historia parisina, reuniendo a los más grandes artistas en escenas y conversaciones de las que a más de uno nos gustaría ser partícipes. Sin duda, una gran película.

Rizomas

"En la teoría filosófica de Gilles Deleuze y Félix Guattari, un rizoma es un modelo descriptivo o epistemológico en el que la organización de los elementos no sigue líneas de subordinación jerárquica —con una base o raíz dando origen a múltiples ramas, de acuerdo al conocido modelo del árbol de Porfirio—, sino que cualquier elemento puede afectar o incidir en cualquier otro"
En el siglo de la globalización las artes han entrado en su máximo estado de interconexión. Desde las vanguardias se han roto los frascos que contenían cada una de esas artes y los vertidos se han mezclado dejándonos un legado de tremendas posibilidades creativas.  La música, por ejemplo, influye sobre todas las demás expresiones artísticas recibiendo de estas una influencia recíproca. No podemos comprender el arte como un ente externo y apartado del mundo, sino como una red de células conectadas que se envían señales unas a otras sin que haya una central. Todas son igualmente importantes porque todas beben de las demás.
En este blog se pretenden dar ejemplos de esa realidad rizomática que viven las artes contemporáneas.